Últimas notícias:

Loading...

As fascinantes histórias que há por trás de 10 obras de arte famosas

Saiba o que motivou artistas como Van Gogh, Munch, Michelangelo e Klimt a criarem suas mais icônicas obras

É fato: uma imagem vale mais que mil palavras, mas, quando se trata de obras de arte, o que se vê na tela pode ser mais abrangente do que parece à primeira vista e, portanto, mais difícil de decifrar se o espectador não for bastante atento.

A iconografia – a linguagem simbólica de uma determinada obra de arte – pode ser sofisticada e complexa, refletindo a consciência coletiva ou extraída da experiência pessoal do artista. Mas por que, afinal, para demonstrar um sentimento, alguém evitaria a palavra escrita em favor de tinta e tela? O artista americano do século 20 Edward Hopper parece ter tido a resposta. “Se eu pudesse dizer em palavras, não haveria razão para pintar”.

Acesse a agenda cultural da Catraca Livre e veja o que há em cartaz

Fizemos a curadoria de algumas das obras de arte mais famosas do mundo e as histórias fascinantes por trás delas. Confira!

O grito, Edvard Munch, 1893

Crédito: ReproduçãoO grito, Edvard Munch, 1893

A obra-prima expressionista do artista norueguês Edvard Munch é frequentemente interpretada como uma resposta primária às pressões excessivas da vida moderna. Originalmente intitulada “O grito da natureza”, a imagem foi criada com uma intenção totalmente diferente, conforme relatado pelo próprio Munch:

“Uma noite eu estava caminhando por um caminho, a cidade estava de um lado e o fiorde abaixo. Eu me sentia cansado e doente. Parei e olhei para o fiorde – o sol estava se pondo e as nuvens ficando vermelhas como sangue. Senti um grito passando pela natureza; pareceu-me ter ouvido o grito. Eu pintei este quadro, pintei as nuvens como sangue real. A cor gritou”.

Apesar das palavras do artista, se sabe um pouco mais a respeito da criação da icônica obra. Segundo a historiadora inglesa, Sue Prideaux, autora do livro ‘Edvard Munch: Behind the Scream’, em um fim de tarde no parque Ekeberg em Oslo, o artista visualizou o mais belo dos pores do sol, mas, ao mesmo tempo, viu de longe o manicômio onde Laura Catherine, sua irmã mais nova maníaco-depressiva estava internada.

Ao lado do hospício ficava um matadouro onde animais gritavam ao serem mortos. Os gritos dos pacientes do hospício se misturavam aos dos animais e assim acabou sendo criado um dos quadros mais famosos da história.

Outra curiosidade sobre este quadro: ele possui a frase “Só podia ter sido pintado por um homem louco!” escondida na versão original da obra (Munch pintou quatro). Este fato levantou várias teorias a respeito de quem teria feito isso e um ato de vandalismo era a hipótese mais provável. No entanto, a Galeria Nacional de Oslo, onde a obra está exposta, chegou a uma conclusão: foi o próprio artista quem escreveu a frase.

Para descobrir a autoria da frase foi utilizada uma câmara de infravermelhos e todas as letras foram estudadas uma a uma e comparadas com notas e correspondência de Munch. Foram especialmente as letras ‘n’, ‘d’ e a capital ‘M’, que são muito distintas na caligrafia do pintor, que tornaram possível dizer que se trata de sua própria escrita.

O Grito foi roubado duas vezes: a primeira, em 1994, da Galeria Nacional de Oslo – o culpado foi detido e a pintura recuperada vários meses depois – e, a segunda vez em 2004,  em plena luz do dia, do Museu Munch – mas, também foi recuperada.

Retrato de Adele Bloch-Bauer, Gustav Klimt, 1907

Crédito: ReproduçãoInspiração e obra de arte de Klimt

Uma das poucas pinturas apreendidas pelos nazistas da casa da família de Ferdinand Bloch-Bauer, este reluzente retrato do artista Gustav Klimt retrata a esposa do magnata vienense do açúcar – entusiasta da arte e anfitriã da sociedade Adele Bloch-Bauer.

Após a guerra, o retrato apareceu na Galerie Belvedere em Viena, na Áustria, local administrado pelo governo. Maria Altmann, sobrinha de Adele, passou anos lutando para recuperar a pintura, algo que finalmente conseguiu em 2006. Essa incrível história foi transformada em um filme, “A Dama Dourada”, estrelado por Helen Mirren como Altmann.

Em junho de 2006 o quadro foi vendido a Ronald Lauder, proprietário da Neue Galerie, em Nova Iorque, por 135 milhões de dólares, e, desde então, encontra-se em exibição permanente no local.

American Gothic, Grant Wood, 1930

Crédito: ReproduçãoAmerican Gothic, Grant Wood, 1930

Grant Wood passou anos procurando inspiração na Europa. A obra que o tornaria famoso, no entanto, foi pintada após seu retorno ao coração. Um ícone nacional e principal expoente do regionalismo, “American Gothic” retrata o que parece ser um fazendeiro da era da Depressão e sua esposa envelhecida. Grant pretendia que o casal representasse pai e filha; na realidade, eles não eram. O homem que segurava o forcado era o dentista de Wood, Byron McKeeby, ladeado pela irmã do artista, Nan Wood Graham.

Em 1930, um pintor americano desconhecido chamado Grant Wood decidiu enviar uma de suas pinturas para a exposição anual aberta do júri no Art Institute of Chicago. Ele acabou ganhando a Medalha de Bronze Norman Wait Harris e $300 em dinheiro: uma soma considerável para um artista de quase 30 anos, nascido e criado em uma fazenda remota em Iowa.

Crédito: ReproduçãoByron McKeeby e Nan Wood Graham

Mal sabia ele, mas aquela medalha de bronze marcou o início de uma das histórias mais improváveis ​​da história da arte. O quadro premiado de Wood, retratando um fazendeiro da era da Depressão e sua esposa envelhecida, logo seria defendido como a obra-prima de um novo movimento artístico americano chamado “Regionalismo”.

Ele pretendia que o casal representasse pai e filha; na realidade, eles não eram. O homem que segurava o forcado era o dentista de Wood, Byron McKeeby, ladeado pela irmã do artista, Nan Wood Graham.

Garota com Brinco de Pérola, Johannes Vermeer, 1665

Crédito: ReproduçãoGarota com Brinco de Pérola, Johannes Vermeer, 1665

Uma obra-prima da Idade de Ouro holandesa, “Garota com um brinco de pérola” de Johannes Vermeer tem fascinado os espectadores com seu olhar melancólico desde que a pintura ressurgiu no final do século 19.

Pouco, entretanto, se sabe sobre a jovem que modelou para o retrato. Foi sugerido que a menina era filha ou amante de Vermeer. Embora esse possa ser o caso, a imagem não pretendia representar uma pessoa real.

O turbante usado pelo modelo indica que a peça pode ter sido concebida como um “tronie”, um tipo de trabalho comum na pintura da Idade de Ouro holandesa e na pintura barroca flamenga, que retrata uma expressão facial exagerada ou pessoas fantasiadas.

O quadro foi inspiração para o romance best-seller de Tracy Chevalier, que por sua vez foi adaptado para o cinema em 2003 estrelado por Scarlett Johansson.

A Garota com Brinco de Pérola pode ser vista de perto no Mauritshuis Royal Picture Gallery em Haia, na Holanda, onde o quadro faz parte da coleção permanente desde 1903.

Mona Lisa, Leonardo Da Vinci, 1503

Crédito: ReproduçãoMona Lisa, Leonardo Da Vinci, 1503

A Mona Lisa de Leonardo da Vinci é indiscutivelmente a obra de arte mais popular e comentada de todos os tempos. Este retrato de uma senhora com um sorriso enigmático está em exibição no Louvre, em Paris, e é objeto de grandes debates a respeito da identidade da mulher retratada.

Muitos especialistas acreditam que a pessoa imortalizada na obra do artista renascentista tenha sido Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, um rico comerciante de seda florentino. Alega-se que a família encomendou que a pintura fosse feita para comemorar o nascimento de seu segundo filho, Andrea.

No entanto, muitos outros ainda questionam sua identidade com teorias que afirmam que se trata de um retrato de Isabel de Aragão, Duquesa de Milão e alguns vão ainda mais longe e afirmam que na verdade se trata de um autorretrato do artista.

A Noite Estrelada, Vincent van Gogh, 1889

Crédito: ReproduçãoA Noite Estrelada, Vincent van Gogh, 1889

“The Starry Night” é considerada uma das melhores obras de Vincent Van Gogh e um dos quadros mais conhecidos na história da cultura moderna.

Inspirado pela vista de sua janela no manicômio Saint-Paul-de-Mausole em Saint-Rémy, no sul da França, onde o artista passou doze meses em 1889-90 buscando alívio para suas doenças mentais, A Noite Estrelada (feito em meados de junho) é um exercício de observação e também um claro afastamento disso, já que supostamente a pintura foi feita de memória.

A visão inspiradora ocorreu à noite, mas a pintura, entre centenas de obras que Van Gogh fez naquele ano, foi criada em várias sessões durante o dia, em condições atmosféricas totalmente diferentes. Van Gogh retratou a vista em até 21 versões, uma das quais é “A Noite Estrelada”.

Fato interessante: ao contrário da imensa popularidade e beleza do quadro, o próprio Vincent Van Gogh não ficou muito satisfeito com seu trabalho. Em uma de suas cartas a Theo (seu irmão), ele expressou que aquela não era uma das melhores peças de arte feitas por ele.

A tela faz parte da coleção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque desde 1941.

A Persistência da Memória, Salvador Dali, 1931

Crédito: ReproduçãoA Persistência da Memória, Salvador Dali, 1931

Esta pintura do pintor espanhol Salvador Dali é a sua obra de arte mais famosa. Na época em que esta pintura foi concebida, o artista tinha o hábito de entrar em um estado auto induzido de alucinações psicóticas e pintar o que via nesses momentos.

Enquanto muitos acreditavam que os relógios derretidos representavam a Teoria da Relatividade de Einstein, simbolizando a estreita relação entre tempo e espaço, o próprio artista declarou que sua inspiração foi um pedaço de queijo derretido ao sol.

Esta pintura, assim como a maioria de seus outros trabalhos, é profundamente pessoal. As colinas retratadas ao fundo são as colinas do Cabo de Creus de sua cidade natal, a Catalunha.

Durante esta fase de sua vida, o artista foi profundamente influenciado por Freud e, a figura em primeiro plano com cílios longos, é uma representação do próprio artista em seu estado de sonho. Os relógios derretidos mostram que, neste estado, o tempo perde o significado.

A pintura faz parte da coleção do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque desde 1934.

A Criação de Adão, Michelangelo, 1511

A Criação de Adão, Michelangelo, 1511

Michelangelo foi um artista, arquiteto e escultor excepcional. Porém, poucos sabem que ele também era um anatomista experiente, que dissecava cadáveres, analisando corpos e fazendo moldes em cera ou madeira das estruturas.

Há razões para acreditar que Michelangelo fez ilustrações anatômicas em muitas de suas obras. A Criação de Adão, uma de suas obras mais icônicas que faz parte do teto da Capela Sistina, é um exemplo disso.

As habilidades de anatomia proficientes de Michelangelo despertaram o interesse de vários historiadores da arte no século 21 para analisar o significado oculto por trás da pintura. A interpretação mais comum é a justaposição de Deus com o cérebro humano, que muitos acreditam ser a tentativa do artista de fazer um protesto secreto a respeito do desprezo da igreja pela ciência. Mas alguns ainda argumentam que se trata da representação do processo de nascimento ou da costela de Eva.

Madame X, John Singer Sargent, 1883–84

Crédito: ReproduçãoMadame X, John Singer Sargent, 1883–84

Hoje considerada o epítome do elegante estilo de retratos de John Singer Sargent, a obra Madame X foi um verdadeiro escândalo na época de sua criação.

Em 1883, quando Sargent fez o retrato de Virginie Amélie Avegno Gautreau, a esposa americana do banqueiro francês Pierre Gautreau, ele acreditava que a encomenda da encantadora socialite lhe renderia uma reputação crescente nos círculos artísticos. O que o futuro lhe reservou foi justamente o oposto.

Gautreau era uma mulher conhecida por seu estilo ousado. E então, com sua permissão, Sargent originalmente pintou uma das alças de seu vestido escorregando por seu ombro. Quando a pintura foi revelada no Salão de Paris de 1884, ela atraiu, para espanto de Sargent, muita indignação da alta sociedade, que a considerou bastante deselegante.

Repreendido, Sargent repintou a alça no ombro e manteve o trabalho fora de vista por mais de 30 anos. Quando vendeu o trabalho para o Metropolitan Museum of Art, ele o fez com uma condição estrita: que o museu prometesse manter a identidade da modelo em segredo.

Retrato do Dr. Gachet, Vincent van Gogh, 1890

Crédito: ReproduçãoPaul-Ferdinand Gachet por Van Gogh

Depois de passar um tempo no manicômio Saint-Paul-de-Mausole em Saint-Rémy, no sul da França, por ter decepado parte de sua orelha, Vincent van Gogh foi encaminhado, após sua saída, para um certo Dr. Paul-Ferdinand Gachet para supervisão contínua.

Em seu primeiro encontro, o atormentado artista não gostou do profissional, chegando a escrever a seu irmão Theo para lhe contar que se sentia ainda mais angustiado e começaria a procurar outro médico.

Mas logo Van Gogh se entusiasmou com Gachet, em quem ele encontrou uma alma gêmea (Gachet também um entusiasta da arte) e, mais do que isso, o artista ainda notou uma semelhança física com o médico, escrevendo novamente para seu irmão e irmã: “Eu encontrei um verdadeiro amigo no Dr. Gachet, algo parecido com outro irmão, nós nos parecemos fisicamente e também mentalmente”.

Depois de completar este que foi o primeiro dos dois retratos que fez do gentil médico, Van Gogh explicou: “Eu fiz o retrato de M. Gachet com uma expressão melancólica, que pode muito bem parecer uma careta para quem a vê.”

Compartilhe:

Tags: #Arte